Motion design d'une interface holographique rétro-futuriste

Le studio développe depuis plusieurs années un long métrage dans l’univers de leur chaîne : Les Chroniques du Nexus VI.

Dans le récit, une séquence complète devait présenter une interface animée, utilisée par l’ordinateur du vaisseau pour mener une enquête aux côtés de l’équipage. Toute la séquence repose sur du motion design sans personnage : c’est l’interface elle-même qui montre l’histoire. La voix off va vite, les informations doivent être comprises immédiatement, et l’interface doit rester lisible tout en donnant l’impression d’un système dense, vivant et complexe.
Une première tentative avait été réalisée en interne, mais le résultat n’était pas au niveau attendu. Le studio cherchait donc quelqu’un capable de concevoir et animer une interface entièrement nouvelle, cohérente avec leur univers visuel et avec un niveau d’exigence plus élevé.

La vidéo devait montrer une machine “vivante” capable d’analyser des photos et vidéos, mettre en avant des indices, naviguer entre plusieurs pistes et guider l’équipage vers une conclusion. Cette séquence devait être parfaitement synchronisée avec les voix off. Initialement, le délai était extrêmement serré : j’avais 10 jours de prod entre mes projets en cours et des vacances prévues. Heureusement, la production globale a dû être décalée en fin de planning, ce qui m’a permis d’achever l’animation plus sereinement. Les derniers ajustements se sont d’ailleurs étalés sur plusieurs mois.

Pourquoi ce projet m’a plu ? L’univers Nexus VI, la création d’un long métrage indépendant et le défi de concevoir une UI complète à partir d’un script précis : le combo parfait. J’ai accepté aussi bien pour l’univers que pour le challenge créatif.

L’interface représente une machine futuriste totalement imaginaire, qui pioche dans des sources multiples (réseaux sociaux, vidéos, données brutes…) pour reconstituer des informations en temps réel. Elle extrait les contenus et les reformate selon son propre langage visuel.

L’écran est divisé en trois zones. La partie centrale est l’espace principal où apparaissent les images, vidéos et indices captés en ligne.

La colonne de gauche sert à archiver les éléments importants au fur et à mesure : photo de la personne recherchée, lieu, indices successifs…

La colonne de droite affiche les processus internes : des mini-fenêtres de calcul, d’analyse, de décryptage. C’est secondaire, mais cela donne vie à la machine et renforce la sensation d’un système actif.

En construisant l’interface, je voulais éviter une succession d’assets juxtaposés.

J’ai donc créé un système où les indices importants restent à l’écran, regroupés dans une colonne dédiée. Ils sont affichés en grand puis réduits progressivement au fur et à mesure que la machine avance. La machine semble vivante, avec plusieurs couches de traitement visuel : un affichage principal, une couche “d’analyse”, une couche “de liens” entre les différents éléments.

L’ensemble est dense et rapide, mais devait rester intuitif à lire pour les spectateurs.

Au départ, je m’appuyais sur une animatique interne fournie par le studio. Cette première version m’a surtout servi de base de travail : elle contenait déjà tous les médias (photos, vidéos) et quelques éléments graphiques de l’univers. Au fur et à mesure, j’ai redéfini entièrement le style et la logique d’interface.

Interface filaire, organisée en plusieurs fenêtres colorées selon leur fonction. Structure pensée pour que le spectateur comprenne immédiatement ce qu’il voit malgré la rapidité. Animation basée sur un mélange de fréquences : projet en 25 fps, recherches et reveals animés volontairement en 8 / 12 / 15 fps pour renforcer le look “machine limitée”. Pour l’effets rétro-futuriste, j’ai mélangé diverses techniques : transitions par lignes, mosaïque basse définition, désaturation des médias, encadrement filaire coloré.

On ne partait pas de zéro : on partait d’une version existante qu’il fallait surpasser, et de loin. Le studio attendait un design beaucoup plus abouti, plus solide, plus clair. Une vraie pression pour ne pas me louper.

Enfin, la structure même de l’interface — des couches, des superpositions, des blocs d’information reliés entre eux — demandait de trouver la bonne logique graphique pour que tout reste cohérent, même dans le “fouillis organisé” qui faisait partie du concept.

Solutions organisationnelles : pour tenir le délai initial, j’ai imposé une approche par étapes pour garantir la qualité sans perte de temps. Recherches graphiques puis storyboard. Une fois ces étapes validées, je pouvais commencer plus sereinement la partie animation.

La collaboration s’est faite à distance, principalement via Discord : channels dédiés, échanges continus, visios. Le partage des fichiers volumineux passait par un dossier partagé sur Google Drive.

Je n’ai rencontré l’équipe en vrai qu’à la projection du film au Kinépolis de Lille en septembre 2025, soit 2 ans après le début de la production ( pour ma partie ).

Retour en pré-prod. Une fois le design défini, il fallait que je fasse tout le storyboard. Indispensable avant d’animer. Storyboard réalisé sous Illustrator pour deux raisons. Il fallait que le storyboard soit le plus précis possible. Ce que je compte animer doit s’y trouver. Je n’aurai plus le temps en production de me demander ce que je dois mettre à l’écran. La deuxième raison, c’est la facilité d’importation des éléments crées sous illustrator dans After Effects via le plugin Overlord. Un gain de temps majestueux que j’avais besoin pour cette prod ( hum… pour toutes prod en fait 😉 ) L’organisation de la production s’est faite sur Notion pour gérer ma todo list et sous-tâches du projet.

Solutions techniques et créatives : j’ai redéfini l’ensemble du langage visuel : couleurs, hiérarchie, profondeur, rythme, organisation des couches. L’idée centrale était de créer une machine très vivante, avec énormément de petites animations secondaires, mais toujours structurée par de grandes lignes claires.

Les éléments importants passent en premier plan. Les transitions entre les informations suivent une logique interne forte : lorsqu’une image est pertinente, l’interface la détecte, la met en évidence, l’entoure, la lie à un autre élément et fait émerger de nouvelles données.

J’ai aussi renforcé la personnalité de chaque zone. Le centre comme espace de “flux principal”, la partie gauche comme mémoire, et la partie droite comme mécanique interne.

Ce découpage très lisible a permis de garder une cohérence malgré l’intensité des informations à afficher et l’intensité des animations.

L’équipe avait du mal à verbaliser exactement ce qu’elle voulait. Ils avaient les principes, mais pas la forme. Leur brief était surtout sensoriel : “ça doit vivre”, “ça doit penser”, “ça doit connecter des choses”. Ils ont réussi à me transmettre ces intentions, et j’ai pu les traduire visuellement. Quand ils ont vu ma version finale, leur réaction a été super enthousiaste : “C’est exactement ce qu’on imaginait, mais en bien plus clair.”